Guide de visite
Immersion. Les origines: 1949-1969

L’exposition organisée au Musée cantonal des Beaux-Arts est la première à retracer l’émergence de l’art immersif entre 1949 et 1969, période caractérisée par l’expansion spatiale et une volonté de dépassement des catégories traditionnelles de l’œuvre d’art. Instaurant une rupture avec le quotidien, les environnements à l’échelle d’une salle tout entière proposent une réalité alternative dans laquelle le public se trouve immergé à 360°.

Le terme «immersion», qui traduit l’idée d’être (littéralement) dans l’œuvre plutôt que devant, qualifie l’ensemble des œuvres réunies pour ce projet. Du latin immersio, qui signifie «plongée», l’«immersion» est définie par Le Petit Robert comme l’«action d’immerger, de plonger (dans un liquide, un milieu)», et par le Larousse comme le «fait de se retrouver dans un milieu étranger sans contact direct avec son milieu d’origine». L’immersion est donc le résultat du franchissement d’un seuil, le passage d’un milieu – ou d’un état – à un autre.

Au-delà de leurs différences esthétiques et conceptuelles, ces œuvres immersives sont des espaces autonomes enveloppants, artificiels ou inhabituels, qui suscitent une exacerbation et une désorientation des sens.

Avec la présentation exceptionnelle de quatorze installations immersives – pour certaines reconstruites pour la première fois – cet événement réaffirme, à l’ère du virtuel, l’expérience corporelle et polysensorielle de l’art.

Né à Berne (Suisse) en 1936
1968

Dès 1959, Christian Megert utilise des éclats de verre et de miroir qui reflètent l’espace environnant de manière fragmentaire et entraînent la dissolution de la composition. En 1962, il réalise, dans le cadre de l’exposition «Nul» au Stedelijk Museum d’Amsterdam, son premier environnement constitué de parois réfléchissantes fixes et mobiles. Mais c’est pour la documenta 4 de Cassel (1968), que l’artiste exploite la dimension immersive et expansive des miroirs. Dans la section de l’exposition intitulée «Ambiente – Environment» et dédiée spécifiquement aux installations plus ou moins immersives, Megert renouvelle l’expérience dans des dimensions plus ambitieuses: il présente son premier «espace d’infinité» où plafond et sol sont pourvus de miroirs de telle sorte que l’espace se prolonge virtuellement. Le public, lorsqu’il y pénètre, est confronté à une expérience perceptive intense de dédoublement vertigineux, à l’infini. L’œuvre est l’aboutissement des recherches de Megert exposées dans le manifeste Un nouvel espace (1961) dans lequel il parle d’un espace indéfini, un univers physique et mental sans restriction ni catégories, rendu ici à travers la réflexivité infinie des miroirs.

Essen (Allemagne), 1913 – Neuenkirchen (Allemagne), 1980
1966

Après avoir travaillé à Berlin comme graphiste puis s’être consacré à la peinture, Ferdinand Spindel découvre en 1963 la mousse synthétique, dont il fait son matériau de prédilection. L’artiste construit des œuvres suivant les lois de la mousse qui, comme les créatures vivantes, a sa propre anatomie, ses différentes épaisseurs et densités, sa réaction particulière à la pression. En 1966, l’artiste développe à une échelle monumentale ses recherches jusque-là contenues au format du tableau de chevalet. Il crée des espaces tridimensionnels habitables faits de mousse rose dans le cadre d’une exposition à la galerie Zwirner de Cologne et à l’invitation du couple d’artistes Ursula et Günter Tollmann qui avaient fait de leur maison de Gelsenkirchen un lieu de promotion de l’art contemporain. Dans leur salle à manger, Spindel installe hole in home [trou dans la maison], une caverne en mousse rose. Le matériau synthétique mou, utilisé habituellement comme matériau de rembourrage, devient entre les mains de l’artiste à la fois objet artistique et enveloppe sécurisante dans laquelle les visiteuses et les visiteurs sont invités à se ressourcer.

• Podcast: Le commissaire « en voix directe »

Camille Lévêque-Claudet, co-commissaire de l’exposition, raconte les œuvres par leur «petite histoire»…
Audio, environ 1 min.

Rome (Italie), 1926 – 2009
1968

Luna [Lune] est présentée pour la première fois, de 16 heures à 20 heures, le 25 mai 1968, dans le cadre de «Teatro delle mostre» [Théâtre des expositions], conçu par Plinio De Martiis dans sa Galleria La Tartaruga, à Rome. Le projet annonce une nouvelle conception de l’exposition d’art en tant qu’événement éphémère ne durant que quelques heures. Chaque soir, un artiste différent présente une installation, impliquant la participation physique de la spectatrice et du spectateur. Dans la proposition de Fabio Mauri, Luna, le public pénètre dans un espace lunaire, marche, s’assied, s’allonge ou même nage dans les billes de polystyrène, poussière de lune dont le frottement crée un subtil bruissement. La Lune est précisément la promesse et l’objectif d’une course à l’espace qui s’achèvera l’année suivante avec la mission Apollo 11, dont l’alunissage sera diffusé en direct sur les écrans de télévision du monde entier. Luna est une expérience sensible rejouant l’obscurité de l’espace, le silence du cosmos et l’apesanteur. Brisant les frontières entre réel et virtuel, Luna projette le publicacteur dans un monde artificiel, lui faisant expérimenter un terrain inconnu et imprévisible.

Vérone (Italie), 1925 – Varèse (Italie), 2009
1968-1969
Reconstitution sonore de Pietro Pirelli, 2022

En 1968, Marinella Pirelli travaille sur un dispositif tridimensionnel dans lequel les images se matérialisent en profondeur. Avec Film Ambiente [Film Environnement], l’artiste propose une expérience cinématographique immersive allant au-delà de l’expérience frontale. À cet effet, elle construit une structure orthogonale que le public peut parcourir. Les différents modules de la grille sont délimités par des panneaux transparents sur lesquels sont projetées les images de son film Nuovo Paradiso, mettant en scène une série de sculptures de l’artiste Gino Marotta. À l’occasion de la première exposition de l’œuvre à la Galleria de Nieubourg à Milan en 1969, le designer Livio Castiglioni conçoit un système sonore généré notamment par la déambulation du public. Avec Film Ambiente, le film est chargé d’une temporalité supplémentaire, qui dépasse celle du tournage et du montage, du fait de l’action du public. À la fois dans l’écran et écran parmi les écrans, il réfracte les projections, étendant la relation classique image-surface et supprimant le point de vue unique qui était celui de la caméra, allant au-delà de l’expérience traditionnelle du cinéma.

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Camille Lévêque-Claudet, co-commissaire de l’exposition, raconte les œuvres par leur «petite histoire»…
Audio, environ 1 min.

Rhodes (Grèce), 1939 – Rome (Italie), 2017
1968

Vento di s. e. velocità 40 nodi [Vent de s[ud]- e[st] vitesse 40 nœuds] est présenté à la Galleria La Tartaruga, à Rome, le 27 mai 1968, dans le cadre de «Teatro delle mostre» [Théâtre des expositions], une succession d’événements/installations au rythme d’environ un par jour pendant trois semaines. Dans un environnement clos, Laura Grisi reproduit, à l’aide de ventilateurs, la sensation d’un vent fort (74km/h) et modifie ainsi la structure et la perception de l’espace environnant. L’idée de cette œuvre est née de l’expérience de tempêtes qu’a vécue l’artiste au cours de voyages, événements météorologiques dont elle filme et mesure les effets à l’aide d’appareils électroniques. Avec une lucidité accrue à l’égard des phénomènes perceptifs, Grisi étudie le caractère insaisissable d’éléments naturels tels que le brouillard, l’air, la pluie et le vent, qu’elle reproduit artificiellement dans ses environnements météorologiques réalisés dès la fin des années 1960. En recréant des phénomènes naturels dans l’espace artificiel de la galerie, l’artiste souhaite inciter le public à établir une nouvelle relation avec la nature et à redécouvrir l’enchantement du monde.

Ciudad Bolívar (Venezuela), 1923 – Paris (France), 2005
1968

«Quand on entre dans un pénétrable, on a la sensation d’être dans un tourbillon de lumière, une plénitude totale de vibrations. Le pénétrable est une sorte de concrétisation de cette plénitude dans laquelle je fais évoluer les gens, leur fais sentir le “corps” de l’espace.» explique Jesús Rafael Soto. L’artiste cinétique présente son premier Pénétrable à la galerie Denise René à Paris, en 1967. L’année suivante, il crée le Penetrable blanco y amarillo [Pénétrable blanc et jaune] qui englobe la spectatrice et le spectateur. L’action même de pénétrer dans l’œuvre fait appréhender l’objet et l’espace qui l’enveloppe avec tout le corps, aussi bien visuellement que tactilement. L’appréhension est aussi d’ordre psychologique: «Nous vivons dans la sensation d’une œuvre […] qui met en cause et qui perturbe notre système de perception de l’univers physique. Au cœur du Pénétrable, nous vivons l’expérience d’un monde sans proportions dont le centre est partout et la circonférence nulle part, un monde sans formes, sans clôtures, sans rapports plastiques, qui est un univers par lui-même.» explique l’artiste.

1968

USCO, également connu sous le nom Company of Us ou Us Company, est un collectif d’artistes, de poètes, de cinéastes, d’ingénieurs et de compositeurs, fondé en 1963 par l’ingénieur Michael Callahan, le peintre Stephen Durkee et le poète Gerd Stern. Associant objets récupérés et nouvelles technologies, leurs installations immersives mêlent lumières, images en mouvement et sons. Les membres de USCO cherchent à modifier l’expérience mentale et physique du public, placé au centre de l’œuvre, et, par un mélange synesthésique de médias visuels et sonores, à atteindre une stimulation sensorielle totale. Fanflashtic, qui a pu être décrite par la presse comme «désorientation sensorielle», «conscience augmentée évoquant l’expérience du LSD», ou de «fun art», fait partie de l’un des onze environnements et happenings (créés par des artistes tels que Allan Kaprow et Nam June Paik) présentés dans le cadre d’« Intermedia ’68 », un festival dédié aux formes d’art expérimental et pluridisciplinaire organisé en février-mars 1968.

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Camille Lévêque-Claudet, co-commissaire de l’exposition, raconte les œuvres par leur «petite histoire»…
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